jueves, 28 de noviembre de 2024

CASA LUCA DE TENA

Hola a todos. ¿Qué tal?

Vamos a terminar noviembre con un nuevo reportaje sobre una vivienda de estilo regionalista que se encuentra ubicado entre la avenida de la Palmera y la calle Torcuato Luca de Tena.

Se trata de la Casa Luca de Tena.

La Casa Luca de Tena es un edificio de la ciudad española de Sevilla, fruto de un proyecto del arquitecto Aníbal González Álvarez-Ossorio y cuya construcción finalizó en 1926.

Figura en el Catálogo General del Patrimonio Histórico Andaluz.

Podéis ver mi reportaje sobre el arquitecto Aníbal González a través del siguiente enlace:

https://loveandalucia.blogspot.com/2024/10/anibal-gonzalez-alvarez-ossorio.html

El edificio se encuentra en el número 48 de la Avenida de la Palmera. Construido entre 1923 y 1926, en un estilo regionalista, el arquitecto responsable del proyecto fue Aníbal González. Fue construida para el primo del arquitecto, el periodista y el empresario Torcuato Luca de Tena y Álvarez-Ossorio.

Me preguntaréis en plan Pasión de Gavilanes: "¿Quién es ese hombre?"

Torcuato Luca de Tena y Álvarez-Ossorio, fue un periodista y empresario español, primer marqués de Luca de Tena, un título nobiliario español creado por el rey Alfonso XIII de España. Fue fundador de la revista Blanco y Negro que se englobaría en el grupo de medios, del que también formó parte del periódico ABC.

Nacido en Sevilla el 21 de febrero de 1861, era hijo de una acomodada familia industrial de la ciudad, vinculada de antaño al espíritu liberal. Hizo en su ciudad natal sus primeros estudios. Apenas cumplidos los doce años de edad, fundó en Madrid, con otros compañeros de su edad, un seminario infantil, titulado La Educación, como prueba precoz de su vocación periodística. A la vez que estudiaba la carrera de Derecho, se inició como agregado diplomático en la embajada de España en Marruecos, entre 1876 y 1878. Tras esta corta pero intensa experiencia diplomática, y terminada su licenciatura en la Universidad madrileña, estuvo unos diez años dedicado a los negocios familiares y a la alta banca, viajando con frecuencia por el extranjero, donde pudo estudiar de cerca el grado de adelanto que tenía a la sazón el periodismo europeo.

Luca de Tena intuyó el moderno sentido empresarial de la prensa en una época en que comenzaba a hacer crisis el viejo estilo de los órganos políticos españoles. Así surgió la idea de crear Blanco y Negro, la primera empresa periodística importante de Luca de Tena.

La revista Blanco y Negro fue la base editorial desde la cual Luca de Tena partió para la creación de ABC, nacido como semanario en enero de 1903 y convertido en diario en junio de 1905. Las diferentes campañas patrióticas de este rotativo consolidaron pronto su prestigio. Luca de Tena levantó una empresa editorial, Prensa Española, S.A., que fue la instalación periódica más importante de España en su época fundacional, y la dotó con modernos adelantos técnicos en las artes gráficas; de ella fueron saliendo muchos títulos de periódicos y revistas: Gedeón (1895-1907), Gente Menuda (1906-1910), Actualidades (1908-1910), El Teatro (1909-1910), Los Toros (1909-1910) y Ecos (1912).

¿De qué está compuesto el edificio Luca de Tena?

En planta, el inmueble está constituido por dos figuras geométricas básicas: el rectángulo y el cuadrado. El primero se convierte en la parte más lucida de la casa, a través de una loggia que se plantea en su lado mayor, que mira hacia la avenida. En el contrario, que funciona como trasero, se adosa el cuerpo cuadrangular. En la crujía de unión de éste se levanta un segundo piso, o altillo, que separa las azoteas de ambos cuerpos. La distribución interior ha cambiado considerablemente respecto al proyecto original. Sólo en la planta baja del cuerpo rectangular pueden reconocerse habitaciones y elementos coincidentes con los primitivos.

La entrada principal se sitúa en el lado corto del lado norte del cuerpo rectangular. Está compuesta por sendas escalinatas enfrentadas de ladrillo, con contrahuellas de azulejos y zócalo de ladrillo tallado, que llevan hasta la puerta. Por ella se accede a un vestíbulo, que da paso a una amplia estancia o recibidor. Su elemento más destacado son un par de columnas, de origen compuesto en mármol, sobre pedestal corrido, y que actúan como soporte central de una cubrición de viguería de madera sobriamente decorada. Al fondo aparece una pieza rectangular, que fue originariamente el corredor de la casa, y que hacia 1997 funcionaba como Sala de Juntas de la entidad bancaria que ocupaba por entonces el inmueble. La estancia cuenta con altos zócalos de azulejos de motivos neo-renacentistas, un artesonado plano de complejo entramado de lacerías con piñas de mocárabes y una notable fuente ornamental en su muro oeste.

La escalera principal permite el acceso hasta el piso alto, muy modificado y a las azoteas. Estas se extienden a ambos lados de un altillo de planta rectangular en el lugar de unión de los módulos principales del edificio. Es una estructura ordenada por pilastras en ladrillo con los fustes decorados por azulejos; sobre ellas aparecen frisos de azulejería con motivos de niños, a modo de los putti italianos, entre frondosa hojarasca. En el costado oeste de este altillo se sitúa una escalera de caracol, de alto vuelo, que permite el acceso a la azotea antes comentada. Esta realizada artísticamente en hierro forjado, con sus peldaños calados.

En cuanto a las fachadas, la más notable es la correspondiente a la cara este, que da a la avenida. En ella se encuentra la loggia o pórtico, tanto en planta baja como en alta, a base de arquerías de medio punto en ladrillo cortado y tallado, sobre columnas de mármol de orden compuesto. Lateralmente, encuadran la loggia machones formados por pilastras dobles toscanas sobre pedestales, asimismo en ladrillo. Las enjutas de los arcos y los fustes de estas pilastras toscanas sobre pedestales, asimismo en polícromos. Las fachadas de los lados menores del cuerpo rectangular se resuelven por medio de pilastras toscanas en ladrillo, que encuadran arcos semicirculares con las roscas realizadas del mismo material. También las fachadas del cuerpo cuadrangular presentan idéntica decoración. La ornamentación de los jardines alrededor de la casa se conserva con escasos cambios respecto al proyecto original. La zona más vistosa es la correspondiente a la loggia. Aquí se coloca, como elemento principal, una fuentecilla de planta estrellada, rodeada por bancos.

Quedó inscrito de carácter genérico en el Catálogo General del Patrimonio Histórico Andaluz el 12 de diciembre de 1996, merced a una resolución publicada el 25 de marzo de 1997 en el BOJA.

La reforma llevada a cabo para el Banco BBVA fue realizada por el arquitecto Luis Recasens.

En sus últimos años, procuró siempre a sus empresas cierta carga ideológica por su españolismo y su ideario monárquico. Luca de Tena militó en el Partido Liberal-Conservador y fue diputado por Martos en las legislaturas de 1893, 1898 y 1901, y senador, por Jaén en 1903 y 1905; y asimismo fue diputado por Sevilla en 1907, siendo más tarde vitalicio hasta el gobierno del general Primo de Rivera, en 1923. Luca de Tena rehusó dos veces ser ministro, con Canalejas primero y con Maura después, pero en su vida parlamentaria intervino defendiendo problemas de ramo de comunicaciones, y por su iniciativa se lograron reformas tan interesantes para el periodismo como la libranza de prensa, el franqueo concertado y ciertas modificaciones en el giro postal. Meses antes de morir Lica de Tena, Alfonso XIII le otorgaba el título de marqués de Luca de Tena para sí y sus hijos y descendientes, premiando de este modo los grandes y constantes servicios que a la nación y a la monarquía ha prestado el ilustre patricio. A la hora de morir, Luca de Tena dispuso que su esquela solo tuviese un título: periodista.

Su homenaje se encuentra en la glorieta de Luca de Tena, ubicado en el Parque María Luisa de Sevilla, frente a la plaza de España.

En 1929 falleció el periodista y editor Torcuato Luca de Tena y Álvarez-Ossorio. Este era célebre en la ciudad por su vinculación personal con Sevilla y por haber sido editor del periódico ABC.

En 1929 José Pemartín Sanjuan propuso en la prensa la construcción de un monumento a Torcuato Luca de Tena. No obstante, el proyecto no se llevó a cabo en ese momento.

El 25 de junio de 1951, una comisión formada por el alcalde José María Pinar y Miura, los tenientes de alcalde Llosent e Ibarrola (presidente del Círculo de Labradores), el conde de Halcón, Emilio Serrano (presidente del Ateneo de Sevilla) y José García Tejada (presidente del Círculo Mercantil), acordó aprobar los proyectos de dos glorietas realizados por el arquitecto Leopoldo Carrera Diaz y por el ingeniero Juan Villagrán Abaurrea. Las grandes glorietas estarían dedicadas a Torcuato Luca de Tena y a Luis Montoto respectivamente. La zona donde se construirían se llamaba "El Macetero", porque estaba destinada al cultivo de plantas ornamentales en macetas de cerámica.

El busto de Luca de Tena es obra de Emilio Laiz Campos, fue colocado en la glorieta en 1954.

Sus características sobre este tipo de Glorieta consiste en un pequeño pabellón central con dos pérgolas a ambos lados y una fuente delante. Las pérgolas tienen un emparrado de glicinias. Frente al pabellón hay un busto en bronce que representa a Torcuato Luca de Tena, sobre un sencillo pedestal.

El busto que lleva una leyenda que dice: "Sevilla a D. Torcuato Luca de Tena y Álvarez-Ossorio".

Está situada entre la Glorieta de Aníbal González y el Estanque de los Lotos.

Espero que os haya gustado este reportaje. Nos vemos en el próximo blog.

sábado, 23 de noviembre de 2024

CAIXAFORUM: LA ESTRELLA DE MIRÓ

Hola a todos. ¿Cómo estáis?

En este reportaje de la exposición de Caixaforum Sevilla se trata de la estrella de Miró, obra del pintor y escultor Joan Miró, basado en el surrealismo, en la época de las vanguardias del siglo XX.

CaixaForum es un centro cultural gestionado por la Fundación "la Caixa". Está pensado para todos los públicos y ofrece una amplia oferta cultural. artística y educativa. CaixaForum se encuentra en el Centro Comercial Torre Sevilla, concretamente en la calle López Pintado.

El objetivo de CaixaForum Sevilla es promover el conocimiento y el crecimiento personal de personas de todas las edades, condiciones y procedencias, albergando todo tipo de actividades culturales que supondrán para la entidad, una inversión de 5 millones de euros al año.

El centro cultural inaugurado en marzo de 2017 está situado en un área cercana al caso antiguo: la isla de la Cartuja.

El edificio cuenta con 7.500 metros cuadrados útiles, sobre una superficie construida total de 8.100 metros cuadrados, con dos salas de exposiciones, un auditorio, dos aulas polivalentes, un aula para talleres, una cafetería-restaurante y una tienda-librería. Las dos salas de exposiciones y el auditorio están situados en el nivel del sótano, bajo la plaza superior que da acceso al centro.

Esta exposición duró desde el 20 de octubre de 2023 y finalizó el 18 de noviembre de 2024.

El origen de las vanguardias históricas

El inicio de las vanguardias, a comienzo del siglo XX se produce una ruptura radical en la creación artística. Los diversos movimientos que se suceden, desde entonces hasta 1940, se agrupan bajo el nombre de "vanguardias históricas".

Se usa el término militar "vanguardias" para aludir a la manera brusca en que estos movimientos se abrieron paso en un contexto artístico que todavía dependía estéticamente de modelos tradicionales, con los que chocaron a causa del radicalismo de sus propuestas. Sin embargo, se clasifican de "históricas" porque sus hallazgos y alternativas ya forman parte de la cultura occidental, más allá de la controversia que produjeron cuando se dieron a conocer: Picasso, Kandinsky, Mondrian, Duchamp, Dalí o Miró son, hoy en día, artistas "clásicos", en tanto que sus obras han sido asumidas respetuosamente por los museos.

La causa última de la aparición de las vanguardias hay que buscarla en la multiplicación de las formas de percibir el mundo y su organización. El arte deja de ser la expresión de un ideal colectivo unitario porque la sociedad no es uniforme. El artista ya no "reproduce" lo que otros consideran bello, sino que investiga y encuentra.

Cada uno de los movimientos de vanguardia obedece a un talante propio, que trata de vincular de manera profunda el arte con la vida, otorgando a aquel una capacidad transformadora, como nunca antes había tenido. Por eso, sus hallazgos estéticos son inseparables de esas actitudes vitales. Sin embargo, terminan por construir un determinado lenguaje artístico que ya forma parte del gusto colectivo. Es decir: los resultados artísticos del cubismo, futurismo, expresionismo, abstracción, dadaísmo o surrealismo, que son los principales movimientos de vanguardia, constituyen referentes estéticos, integrados ya en nuestra manera de apreciar la belleza de la creación.

FUENTE: CAIXAFORUM

Contexto histórico

La primera mitad del siglo XX se caracteriza por los grandes cambios que se fueron produciendo en casi todos los órdenes: el artístico, el social, con el asentamiento de la lucha de clases y el triunfo de las primeras revoluciones proletarias; el político, con el desarrollo de la Revolución Rusa que cambia completamente el panorama político, y con las dos guerras mundiales, con el gran impacto psicológico que dejaron en todo el mundo.

La lucha social comienza a obtener sus primeros éxitos, bien sea por medio de la negociación, bien sea por medio de la revolución. Ello es posible porque las clases burguesas, predominantes en el sistema impuesto por la Revolución Industrial, se dan cuenta de que es preferible hacer concesiones paulatinas que arriesgarse a sufrir una revolución del tipo ruso.

En el panorama europeo, parece darse un triunfo de las democracias tras la I Guerra Mundial, que trajo consigo el establecimiento de más de una república y la división de los grandes imperios continentales. Sin embargo, tras la profunda crisis económica de 1929, las dictaduras totalitarias irán imponiéndose, aupadas por la difícil situación, hasta el punto de que a finales de los años 30 sólo se mantendrán en pie unos pocos regímenes democráticos, frente al dominio en Europa de las dictaduras de corte fascista.

Los avances científicos, médicos y técnicos que se dieron a conocer durante el primer tercio del siglo XX revelaron un universo hasta entonces completamente desconocido. La visión del microscopio o de los rayos X, el cine que nos asoma a un mundo de ensueño, los aeroplanos que parecen escapar a la ley de la gravedad, los inmensos trasatlánticos que atraviesan los mares, las sofisticadas maquinarias de guerra, la luz eléctrica o la importancia del subconsciente en la personalidad del individuo proporcionaron otra noción de la realidad, muy distinta de la percibida hasta entonces con los sentidos.

La sociedad y la política españolas de principios del siglo XX se caracterizaron por un fuerte inmovilismo.

El sistema político heredado del último tercio del siglo XX se había quedando obsoleto y monolítico, incapaz de asumir los cambios que el ascenso de la ideología de clases estaba llevando a la política nacional. El sistema de la restauración, con el amañamiento constante y casi institucional de las elecciones dejaba fuera a los partidos sociales que contaban cada vez con más base popular, por lo que se hacía cada vez más injusto el sistema.

La salida será una huida hacia delante con la dictadura de Primo de Rivera, que significará, a la larga, el fin del sistema, que culminaría con la proclamación de la II República española, tras la victoria de las candidaturas republicanas de las elecciones.

FUENTE: CAIXAFORUM

Surrealismo

Este tipo de vanguardia tiene su origen en París donde va a ser el centro de origen de una nueva corriente del arte. André Bretón será el indicador, y su objetivo, la búsqueda de la expresión de la verdadera función del pensamiento.

Esta clase de movimiento vanguardista gira en torno en 1924 cuando el escritor francés André Breton (1896-1966) lanza en París, el primer manifiesto del surrealismo, donde este se define como "puro automatismo psíquico por el cual se intenta expresar, bien verbalmente o por escrito, la verdadera función del pensamiento. Dictado verdadero en ausencia de todo control ejercido por la razón, y fuera de toda preocupación estética o moral. Se trata, pues, esencialmente de una actitud mental abierta hacia lo desconocido, que tiene consecuencias en el campo de las artes plásticas y de la literatura.

En ese deseo de descubrir otro mundo, más allá de cortapisas mentales y morales que apasionan las posibilidades de felicidad en este en que vivimos, se encierra una dimensión revolucionaria: el deseo de transformar radicalmente las bases en las que se sustenta la vida de cada uno y las relaciones con los demás. Por eso, los surrealistas tuvieron una fuerte conciencia de su papel como grupo y de su dimensión ética y política.

Diversas revistas y publicaciones difundieron su pensamiento, que aparece como una vanguardia muy consolidada durante los años veinte y treinta, cuando inspiró a artistas de muy variado origen y, aspiraciones, aunque no todos estuvieron adscritos al grupo. Su trascendencia posterior, en la posguerra, fue también enorme.

Las dos claves fundamentales sobre las que se asientan las obras artísticas nacidas del surrealismo son, en primer lugar, la negación de la moral tradicional, especialmente en lo que se refiere al sexo y a la violencia, de manera que, por ejemplo, la exploración de las más reprimidas pulsiones eróticas constituye una forma de liberación; y, en segundo lugar, la reivindicación de la dimensión irracional e instintiva de la condición humana, herencia del dadaísmo, que altera de forma inesperada y sorprendente la aparente lógica por la que fluye el mundo. Ambos aspectos afectan a la creación artística, pues la belleza se hace relativa, ya que no puede ser definida de manera previa, sino que nace de la casualidad o del absurdo, fruto de un descubrimiento inesperado que tiene algo de juego maravilloso.

Originariamente, los surrealistas se fascinaron por los procedimientos de creación automática, sin control, de la razón, que producían resultados fascinantes. La llamada "escritura automática" hacía aflorar imágenes inesperadas, fruto de la asociación inmediata de palabras dispares, que emanaban del pensamiento sin el control de la mente.

Un buen número de surrealistas orientaron su creatividad a hacer nítida la visión interior, generalmente en relación con la extrañeza que producen los sueños, tanto por su contenido como por las relaciones ilógicas que se establecen entre los espacios y el impreciso significado de las cosas.

FUENTE: CAIXAFORUM

El contexto de las vanguardias en España

Las vanguardias artísticas fueron un fenómeno de carácter universalista y global en el que participaron artistas de todos los países. Algunos de los más destacados e influyentes fueron españoles que contribuyeron a todas las fases de su evolución.

La vanguardia es un fenómeno que va más allá de las fronteras nacionales. Ni siquiera la importancia de París como escenario de su desarrollo, indispensable para la mayoría de los movimientos artísticos anteriores a la Segunda Guerra Mundial, puede explicarse a través de rasgos propios de una hipotética idiosincracia francesa.

Este aliento universalista nace de las raíces mismas del pensamiento vanguardista, puesto que afecta a la esencia del ser humano en su relación con la creación, en un mundo decididamente nuevo, donde las eventuales referencias nacionales, regionales o locales no constituyen, ni en sentido sociológico ni estético, motores relevantes de transformación. Por eso, hablar de la contribución de los artistas españoles al desarrollo de la vanguardia no tiene más sentido que subrayar su pertenencia a un fenómeno global en el que participan artistas de diversa procedencia geográfica.

Las dos corrientes en las que más destacaron los artistas españoles fueron, por un lado, el cubismo, a cuya génesis contribuyó Pablo Picasso y, en su fase sintética, tuvo una importante contribución Juan Gris; y por otro, el surrealismo, donde las obras de Joan Miró y Salvador Dalí figuran entre las expresiones más características de esa vanguardia.

FUENTE: CAIXAFORUM

Joan Miró

Nacido en Barcelona, que fue una ciudad muy receptiva a los movimientos de vanguardia en fechas relativamente tempranas, Joan Miró (1893-1983) aprendió, desde joven, a interpretar los motivos figurativos de su entorno como si fueran signos vivos, autónomos, con un universo propio. No necesitan parecerse del todo a lo que ve quien los mira, sino que, como en un juego imaginativo, se sueñan distorsionados, estilizados, como un eco subjetivo de la forma de la que proceden. El resultado se sitúa entre la vaga referencia a una realidad, convertida en mágica, y la más desbordada fantasía, nacida del inconsciente.

En el París de los años veinte madura su personalidad artística. Es entonces cuando sienta las bases de su estilo definitivo, que se reconoce ya en una obra capital de su producción, El carnaval de arlequín (1924-1925).

Miró se aproxima a la vertiente más automática del surrealismo a través de esas formas orgánicas con vida propia que se mueven con total libertad por el cuadro, o elaboraciones abstractas de motivos concretos, por ejemplo, estrellas y luna, o mujer y hombre. Sus cuadros parecen obedecer a una creación sin control, como la expresión plástica de un niño o de una tribu primitiva, que alucina con lo que le perturba, porque lo asocia con sus obsesiones, y, a la vez, se deja llevar por ello.

¿Qué historia se esconde detrás de la estrella de Miró? Este símbolo - estrella azul de cinco puntas, acompañada de dos astros - es uno de los siete tapices monumentales que crearon Joan Miró y Josep Royo, en 1980, por encargo de la Caiza de Pensions per a la Vellesa u d'Estalvis de Catalunya i Balears. El objetivo fue crear la imagen corporativa de la entidad, así como transmitir sus valores culturales y sociales.

Durante el mes de abril de 2022, el emblema de "la Caixa" se restauró en vivo y se instaló en una vitrina de cristal en el vestíbulo de CaixaForum Barcelona.

FUENTE: CAIXAFORUM

Espero que os haya gustado este reportaje. Nos vemos en el próximo blog.

miércoles, 20 de noviembre de 2024

CAIXAFORUM: REIMPRIMIR LA REALIDAD

CAIXAFORUM: PRINT 3D. REIMPRIMIR LA REALIDAD

Buenas tardes a todos y a todas. ¿Qué tal, cómo estáis?

En este reportaje de la exposición Caixaforum Sevilla vamos a visitar cómo la tecnología y la innovación cada día está más moderna y actualizada.

Se trata de la tecnología 3D como una manera de reimprimir la realidad.

El centro cultural inaugurado en marzo de 2017 está situado en un área cercana al caso antiguo: la isla de la Cartuja.

La pregunta del millón de dólares es la siguiente: ¿Cómo funcionan las impresoras 3D?

El término impresora hace referencia a la máquina que, conectada a un ordenador en casa, en la escuela o en la oficina, es capaz de producir documentos de texto, gráficos o imágenes en dos dimensiones. La idea de imprimir objetos sólidos en tres dimensiones se ha hecho realidad gracias a la impresión 3D, que a partir de un modelo digital permite crear identidades de objetos físicos. Este modelo digital puede ser diseñado por un software de modelado 3D o generado mediante un escáner 3D. La impresión 3D se basa en la fabricación aditiva, porque va agregando material capa a capa para producir las piezas.

La llegada de la impresión 3D ha supuesto una revolución en el mundo de la salud. El uso de modelos digitales permite que los médicos digitales permite que los médicos puedan preparar mejor las operaciones y, así, el tiempo en el quirófano sea menor. Con la impresión 3D, la cirugía es personalizada y a medida, por la que se obtienen mejores resultados; asimismo, se abarata el coste de la producción de prótesis para personas o animales. Actualmente se trabaja para que, en un futuro no muy lejano, la impresión 3D de medicamentos sea una realidad, lo que permitiría adaptar la dosis adecuadas a cada persona según su patología, edad, etc.

La impresión 3D, la planificación virtual y la bioimpresión 3D de tejidos son algunas de las técnicas que ya forman parte del día a día de numerosos hospitales. Con ellas se consiguen tratamientos más específicos, más personalizados y que ayudan a mejorar la calidad de la vida de las personas, a la vez que se reducen tiempos y costes.

La impresión 3D de medicamentos ya es viable hoy en día. Esta tecnología permite adaptar la dosis a las necesidades del paciente, administrar varios fármacos en un solo producto, ofrecer más opciones de presentación, eliminar las intolerancias e imprimir únicamente la cantidad necesaria.

La necesidad de materiales sanitarios como consecuencia del COVID-19 impulsó la colaboración de hospitales, empresas, fundaciones y particulares para producirlos con impresoras 3D. Una iniciativa ciudadana clave ha sido COVID-19 Makers, red formada por miles de voluntarios que han diseñado y creado millones de productos, como viseras o piezas de respiradores.

La impresión 3D también permite generar piezas totalmente adaptadas a pacientes no humanos. Hoy en día se producen prótesis específicamente diseñadas para diversas especies, desde perros hasta pájaros. Con ellas, muchos animales han recuperado la normalidad tras un período inicial de adaptación y, por tanto, también se han beneficiado de esta tecnología.

Las innovadoras tecnologías de impresión 3D permiten fabricar cubiertas de alta gama las prótesis de las extremidades superiores e inferiores. Las cubiertas, impresas con materiales plásticos, son ligeras, resistentes y únicas, con el ajuste adecuado a cada prótesis y con el diseño que el usuario desee. Además, protegen los componentes protésicos, evitan que la ropa se enganche, son resistentes al agua y se secan fácilmente.

Las industrias de la moda, caracterizadas por su creatividad, han encontrado un nuevo aliado en la impresión 3D, tecnología capaz de producir todo aquello que podemos ponernos: desde ropa y calzado hasta bisutería, joyería y otros accesorios, como gafas o paraguas. Las impresoras 3D se usan estos sectores tanto para crear moldes, piezas o prototipos para fabricar todo el producto. Con el desarrollo de nuevos materiales, las prendas de vestir impresas en 3D mejoran la flexibilidad y funcionalidad. Cualquier diseño puede ser único, adaptado a las medidas corporales y personalizado según necesidades o gustos.

Las aplicaciones de la impresión 3D en nuestro entorno más cercano son numerosas y pueden cambiar el modo en que obtenemos y reparamos objetos habituales en el ámbito doméstico. A partir de modelos digitales tridimensionales es posible crear productos exclusivos, adaptados a las necesidades cotidianas y acordes con los gustos personales, tanto en las formas como en los materiales, sin tener que salir de casa. Las posibilidades son prácticamente infinitas: desde una simple pieza hasta estructuras más complejas. Disponer de una impresora 3D convierte al consumidor en diseñador y productor de sus objetos.

Imprimir una casa en 3D supone un gran ahorro porque se pueden utilizar materiales ecológicos y reciclados, se reduce el tiempo de construcción, se consume menos energía y se minimiza la producción de residuos, Mediante esta tecnología es posible crear formas complejas con gran precisión y respetando el medioambiente.

La impresión en 3D de gran formato ofrece numerosas aplicaciones en campos como la construcción, la automoción, la aeronáutica, la industria, etc. Las compañías de ingeniería repiensan en sus procesos para detectar casos en que esta tecnología permitiría reducir los costes, optimizar la obtención de prototipos o piezas finales y garantizar su calidad. Muchos de los avances en estos campos derivan del desarrollo de nuevos materiales acordes con los estrictos requisitos industriales, así como de la creación de soluciones de impresión capaces de generar piezas de grandes volúmenes.

Toda nueva conciencia que se despliega a gran escala provoca cambios globales. Para los usuarios, la impresión 3D puede convertirse en una herramienta cotidiana con la que explorar el mundo con nuevos ojos. Socialmente, puede transformar el mundo productivo y los hábitos de consumo, así como favorecer planteamientos más sostenibles, como el reciclaje y la economía circular. Al mismo tiempo, la digitalización y la impresión 3D pueden dar lugar a nuevos retos éticos, según el uso de que se haga de los datos obtenidos y de los modelos creados.

La impresión 3D es un medio de expresión muy atractivo para los artistas. La incorporación de esta tecnología les ofrece numerosas posibilidades creativas, tales como repensar objetos cotidianos, reinventar disciplinas tan clásicas como la música mediante la creación de sonidos nuevos o trabajar con el movimiento para dar lugar a verdaderas obras de arte. Las impresoras 3D pueden utilizarse como un recurso expresivo y como una herramienta de trabajo; y la pieza producida tridimensionalmente puede constituir la obra en sí misma, o bien ser un paso del proceso de creación de la obra final.

La impresión 3D ofrece nuevas posibilidades a la exploración espacial. Por una parte, se podrán imprimir hábitats en la Luna o Marte, usando materiales locales y sistemas robóticos. Por otra, la versatilidad de esta tecnología de fabricación será también clave para superar algunos de los retos logísticos más importantes, debido a los altos costes del transporte. A partir de un mismo material base será posible crear repuestos o herramientas personalizadas bajo demanda. Solo será necesario transmitir los modelos digitales y producirlos en la última frontera de la humanidad.

Espero que os haya gustado este reportaje. Nos vemos en el próximo blog.

viernes, 15 de noviembre de 2024

CAIXAFORUM: LA IMAGEN HUMANA. ARTE, IDENTIDADES Y SIMBOLISMO

CAIXAFORUM: LA IMAGEN HUMANA, ARTE, IDENTIDADES Y SIMBOLISMO

Hola, de nuevo. ¿Cómo estáis, queridos/as amigos/as?

Comenzamos este reportaje con una nueva exposición del Caixaforum en Sevilla.

Se trata de la imagen humana: arte, identidades y simbolismo.

El centro cultural inaugurado en marzo de 2017 está situado en un área cercana al caso antiguo: la isla de la Cartuja.

Esta exposición trata de realizar un viaje a través del tiempo y de las culturas, un recorrido que no distingue ni épocas ni fronteras para mostrar un tema universal: cómo el ser humano se ha representado y cómo se representa a sí mismo.

Además, esta exposición estuvo organizada con la colaboración del British Museum de Londres.

La figura humana siempre ha sido el tema central del arte visual. Desde hace unos 35.000 años, cuando la actividad artística floreció por primera vez durante la última Edad del Hielo, personas de todo el mundo han creado imágenes de la forma humana en todos los estilos, formatos y medios posibles. Estas representaciones universales revelan el cuerpo como vehículo para la expresión artística personal y la proyección de ideas sobre la vida y la experiencia humanas.

Las imágenes de la belleza humana ideal a menudo nos informan sobre los roles y el comportamiento que se espera de hombres y mujeres en una sociedad determinada. Muchos destacan los distintos valores y características de género que se asignan a las personas en función de su sexo. Tradicionalmente, el hermoso cuerpo femenino encapsula rasgos supuestamente femeninos como la compasión, la gentileza y la pureza. Por el contrario, las representaciones del cuerpo masculino personifican cualidades masculinas percibidas como el coraje, el honor y la asertividad.

Un retrato generalmente nos muestra cómo se ve una persona, pero también nos dice algo sobre quién es. La apariencia física (gestos, pose y expresión facial) se puede utilizar para sugerir personalidad y estado de ánimo, mientras que la ropa, el entorno y los objetos especiales pueden proporcionar pistas sobre roles y estatus sociales.

Los retratos representan la identidad personal y los rasgos de carácter de diferentes maneras. La imagen de una persona importante y rica suele estar diseñada para comunicar poder y grandeza, mientras que las representaciones de gente corriente suelen ser más personalizadas y reveladoras. Sin embargo, también puede realizarse mucho después de la muerte del sujeto con el objetivo de preservar su memoria y sus logros.

Retrato de mujer, témpera y encáustica sobre madera de tilo (100-120). Saqqara (Egypt). (C) Trustees of the British Museum

Korwar, madera y vidrio, antes de 1865. Dore Bay (Papúa Occidental) (C) Trustees of the British Museum

Pergamino con la historia de Indira Gandhi, pintura y tinta para pergamino sobre papel (1985). Pueblo de Theakuachack, Bengala Occidental (India). (C) Trustees of The British Museum

Estatuilla cicládica, mármol (2700 - 2500 a.C). Keros (Islas Cicladas, Grecia). (C) Trustees of The British Museum

Cabeza de Alejandro Magno, siglo II d.C. (C) Trustees of The British Museum

El cuerpo humano siempre ha sido un vehículo para mostrar la identidad personal y social. A lo largo de la historia, las personas han creado imágenes de sí mismas que exploran quiénes encajan en la sociedad. Sin embargo, las ideas sobre la individualidad son intrínsecamente complejas; una persona puede tener múltiples identidades que están determinadas por sus experiencias de vida, género, herencia étnica, sexualidad, clase y otros factores.

Especialmente para muchos artistas modernos, la transformación personal es un elemento esencial en la representación de la figura humana.

Máscara mortuoria, oro, romana, siglos I-II d.C. Jerusalén (C) Trustees of The British Museum

La transformación del cuerpo humano es un tema importante en el arte y las creencias de muchas culturas. Las representaciones de cuerpos transfigurados, fantásticos o distorsionados a menudo exploran los límites de la naturaleza y la experiencia humanas. Algunas de las imágenes aquí expuestas contemplan la fragilidad y las limitaciones físicas del cuerpo, mientras que otras retratan intensas experiencias psicológicas.

Los artistas también han utilizado la imagen del cuerpo traumatizado para expresar sentimientos de ansiedad y desorden, sobre todo en relación con los efectos violentos y transformadores de la guerra.

Tabla hohoa, madera y pigmento, finales del siglo XIX - comienzos del siglo XX, poblado Elema, Papúa Nueva Guinea (C) Trustees of The British Museum